Ajouter NG+ à vos sources préféréesAprès les petits bijoux que sont The Cosmic Wheel Sisterhood et Many Nights a Whisper co-signé avec Selkie Harbour, le duo valencien remet le couvert sous la bannière de Devolver Digital avec Virtue and a Sledgehammer. Le pitch tient en une phrase : revenir dans son village natal, désormais peuplé de copies androïdes de ses anciens habitants, et tout démolir à coups de masse. Un postulat d’une simplicité désarmante, dont le studio tire, comme à son habitude, une œuvre d’une densité folle sur l’être humain et tout ce qui l’abime.
(Test de Virtue and a Sledgehammer réalisé sur PC via une copie du jeu fournie par l’éditeur)
Être seul est tellement effrayant
On incarne une femme pleine de rage, de retour dans le petit village d’Espagne rurale qu’elle a quitté depuis longtemps, avec la ferme intention de tout réduire en miettes à coups de masse. C’est en explorant les lieux et les souvenirs qui s’y trouvent que l’on découvre peu à peu les raisons de cette colère, les blessures qui l’ont nourrie et tout ce que notre protagoniste cherche aujourd’hui à laisser derrière elle. Le jeu revendique d’ailleurs pleinement la dimension thérapeutique de cette destruction, en faisant de chaque mur fracassé et de chaque objet pulvérisé une manière de libérer une violence longtemps contenue.
Ce village, c’est celui d’une Espagne rurale vieillissante et conservatrice, où la pauvreté et le manque d’accès à la culture façonnent autant les mentalités que les trajectoires individuelles. C’est aussi celui d’une famille dont le poids continue de peser sur notre protagoniste, et d’une sœur prodige qu’elle a profondément aimée, malgré les nombreuses occasions où celle-ci l’a rabaissée et ce sentiment persistant de ne jamais être à sa hauteur. Car leur relation n’est pas faite que de blessures et de rancœurs : elle est aussi traversée par des moments de tendresse, des souvenirs heureux et une affection sincère qui rendent leurs rapports d’autant plus complexes.
Virtue and a Sledgehammer part d’un postulat si simple qu’il parvient à aborder une quantité impressionnante de sujets sociologiques et intimes sans jamais donner l’impression de vouloir faire la leçon. Le jeu nous place notamment dans une posture assez inconfortable, celle d’une personne qui détruit tout sur son passage, sans distinction, tandis que l’on découvre peu à peu les raisons de cette violence.
À un moment de l’aventure, la destruction d’un serveur permettant de transférer la conscience d’une personne dans un corps robotique déclenche une brève séquence montrant une photographie de famille. Une poignée de secondes qui suffit à nous rappeler que derrière ces machines se trouvent des existences, des souvenirs et des histoires personnelles, et qui témoigne de la puissance narrative du jeu lorsqu’il met l’interactivité au service de l’émotion.
Être seul est tellement apaisant
Mais Virtue and a Sledgehammer ne se contente pas de parler de souvenirs douloureux et de relations familiales. Ses robots sont étonnamment vivants, notamment grâce à des dialogues qui les ancrent dans une réalité très contemporaine, entre discussions ordinaires et préoccupations sociales. Derrière cette petite communauté de machines se dessine progressivement une réflexion sur l’intelligence artificielle, la numérisation de la conscience et la possibilité de prolonger indéfiniment une existence humaine dans un corps artificiel.
C’est aussi un aspect sur lequel le jeu pousse particulièrement à la réflexion. Sa technologie de transfert de conscience, qui rappelle certaines idées explorées dans le Ghost in the Shell de 1995, pourrait à première vue constituer une avancée formidable pour l’humanité : pourquoi accepter la dégradation inévitable de nos corps si nous pouvions préserver ce qui fait notre personnalité ?
Pour les personnes souffrant de maladies incurables, une telle perspective pourrait même représenter une seconde chance, une manière de s’affranchir des limites de notre condition biologique. Mais peut-on réellement parler d’immortalité lorsque notre corps a disparu ? Une copie numérique de notre conscience est-elle encore véritablement nous, et jusqu’où la volonté de préserver une existence peut-elle justifier de prolonger artificiellement la vie ?
La musique de Fingerspit accompagne merveilleusement cette réflexion. Le thème principal évoque lui aussi le travail de Kenji Kawai, avec ses nappes électroniques mélancoliques et cette atmosphère à la fois contemplative et inquiétante qui caractérisait déjà sa composition pour le film de Mamoru Oshii. La direction artistique, avec ses accents rétrofuturistes et son esthétique lo-fi, participe elle aussi à cette impression étrange d’un futur déjà nostalgique, comme si cette promesse technologique portait en elle les vestiges d’un monde que l’on aurait déjà perdu.
Et comme souvent avec Deconstructeam, rien n’est véritablement laissé au hasard, pas même les succès Steam, qui prolongent à leur manière les réflexions du récit ; une attention portée aux détails qui témoigne d’une grande sensibilité. Les deux studios nous livrent une nouvelle fois une œuvre profondément habitée, attentive aux contradictions de l’être humain et à toute la complexité des émotions qui accompagnent son existence, dans ses moments les plus heureux comme dans ses épreuves.
Virtue and a Sledgehammer est finalement une drôle de ballade au cœur d’une âme abîmée, un jeu qui nous invite à tout détruire pour mieux comprendre ce qui nous a construits. Derrière le plaisir immédiat de fracasser des objets à coups de masse se cache une œuvre profondément sensible, qui interroge aussi bien notre rapport à la famille qu’à la mort, à la maladie et aux promesses du transhumanisme. Une expérience qui laisse derrière elle autant de questions que de certitudes, et dont la plus belle invitation tient peut-être dans cette phrase : « Je te souhaite de goûter à une vie dépourvue de souffrance. »
